Andy Warhol dessinateur

« Je voudrais être une machine » : cette déclaration d'Andy Warhol, ses œuvres sérigraphiées des années 1960, ses films expérimentaux, sa fameuse Factory aux murs recouverts de papier aluminium, font parfois oublier que Warhol a d'abord été formé à l'illustration et qu’il n'a jamais cessé de dessiner jusqu'à ses derniers jours. Portraits, caricatures, scènes de genre ou planches publicitaires prouvent à quel point le dessin est resté jusqu'à la fin des années 1960 le médium de prédilection de Warhol.



Dix chapitres pour dix périodes clés de la vie d'Andy Warhol, de son enfance pauvre jusqu'au sommet de la célébrité. Tiraillé entre la création artistique et le merchandising pur et simple de ses œuvres, très rapidement à la tête d'une entreprise créée pour le promouvoir, adorant la fête et tous ses excès, Warhol était un homme complex(é) qui a marqué le monde bien au-delà de son époque et de son pays. Tout au long des 562 pages de son livre, Typex convoque toute la pop culture américaine, qui a conquis le monde entier depuis le milieu du XXe siècle. Cinéma, art contemporain, littérature, musique, ils sont tous là : Marilyn Monroe, Greta Garbo, Jackson Pollock, Truman Capote, Lou Reed, Nico, Bob Dylan, Basquiat, Michael Jackson…

New York, 1975. Truman Capote renonce à écrire son chef-d'œuvre et commence à s'autodétruire, tandis que Jackie Onassis et sa petite sœur Lee paradent dans la Cadillac verte d'Andy Warhol. Depuis sa chambre du Chelsea Hotel, Taïné Tcherepakine, androgyne toxicomane, vendeuse de disques et de pastilles aphrodisiaques, assiste à la faillite d'une génération d'artistes épuisée par les excès du spectacle, des drogues et du sexe. Non loin de là, du côté des punks du Lower East Side, il y a pourtant quelque chose dans l'air. Dans New York City Inferno, Simon Liberati fait revivre le tumulte d'une ville aussi décadente qu'exaltante, celle d’Andy Warhol.

Pour dessiner, on peut choisir de se lancer sans filet, de suivre des cours ou se plonger dans une méthode. Ici chaque sujet est décomposable en formes très simples, et une fois les volumes principaux combinés dans le respect des proportions, il ne reste qu'à ajouter quelques détails. Y’a plus qu’à…

20 000 ans avant Lascaux, à peu près 36 000 avant notre époque, les illustrateurs de l’Aurignacien maîtrisaient déjà un art hautement élaboré, précis dans la représentation des animaux, inventif dans la construction de scènes narratives, conceptuel dans la conception de certains tableaux. Surtout ils offrent leur vision du monde qui donnera naissance à des mythes qui vont organiser le fait social et les relations entre individus. Les peintures et dessins de la Grotte Chauvet sont à ce jour les plus anciens témoignages d'expression artistique de l'humanité. Leur force et leur modernité bouleversent toutes les idées reçues sur l'art de la préhistoire. 

Né au tout début du XXe siècle en Italie, Renato Zavagli-Ricciardelli delle Caminate - en simplifiant son nom pour celui de René Gruau et en abandonnant l’idée de devenir architecte - va devenir un des plus grands dessinateurs et illustrateurs de mode dont le nom, réduit à Gruau, va être associé aux plus grands noms de la couture : Balenciaga, Balmain, Givenchy, mais surtout Dior, ainsi qu’aux plus prestigieux magazines de mode comme le Harper’s Bazaar, le Vogue américain ou encore la luxueuse revue de mode, d’art et de mondanité Flair. Un coup de pinceau et tout est dit.



Au début des années 60, le sud de Manhattan est devenu une zone sinistrée. Les usines et les ateliers ont été délocalisés, et une bonne partie des habitants est partie en banlieue. Cette zone de New York de moins de trois kilomètres carrés, va alors devenir l’épicentre d’une incroyable révolution culturelle mariant théâtre underground, glam rock, performance et art vidéo, un véritable chaudron qui donnera entre autres naissance à un mouvement punk destiné à enflammer le monde. Ce livre raconte cette extravagante odyssée. Une jeune artiste venue du New Jersey y jouera un rôle important : Patti Smith, tout comme Debbie Harris (Blondie) un peu plus tôt, s’impliquera en effet dans le théâtre underground off-off-Broadway de l’époque avant de devenir une des icônes du rock new yorkais.

Léonard de Vinci fut l’un des génies de la Renaissance. En 1986, Warhol découvre La Cène, conservée à Milan. Elle lui inspire The Last Supper, et ce commentaire « Ça m’a plu de travailler avec lui, avec sa « Cène », mais aujourd’hui, aucun génie ne peut plus être comparé à celui-là, les Léonard d’aujourd’hui sont Armani, Krizia, et les autres designers italiens ». Outre ces mots de Warhol, l’ouvrage de Frank Zöllner met en regard des reproductions des œuvres de Léonard de Vinci, d’autres commentaires d’esprits modernes, comme Freud, Goethe, Nietzsche, créant des dialogues passionnants.

Voici un livre pour plonger dans le Pop Art avec ses grandes figures, Warhol, Lichtenstein, Hamilton, Oldenburg, Rauschenberg aussi, même s’il se défendait d’en être un précurseur. « Le Pop Art est populaire. Ephémère. Remplaçable. Bon marché. Produit en série. Sexy. Astucieux. Glamour... » écrit Hal Foster. Ces adjectifs permettent de distinguer le Pop Art de Dada, dont la révolte n’avait rien de glamour. Le livre montre que la BD, la photo, l’architecture, ont fait partie du Pop Art. En couverture, la peinture de Richard Hamilton Just what is that makes todays’s homes so different, so appealing ? de 1956, est considérée comme l’une des toutes premières œuvres Pop Art.

La création de DC Comics et sa publication des aventures du super-héros le plus célèbre, Superman, en 1938, marquent le début de l’âge d’or de la bande dessinée américaine. À l’âge d’argent, de 1956 à 1970, DC Comics modernise ses héros et publie All-American Men of War, une série de BD sur les soldats américains pendant la Seconde Guerre mondiale, citée dans Whaam !, un des tableaux les plus célèbres de Lichtenstein. Les grands illustrateurs de la période, notamment Jack Kirby, Mike Sekowsky et John Romita, figurent parmi les sources d’inspiration dans lesquelles Lichtenstein a largement puisé.

Devant des peintures de la grotte de Lascaux, la Joconde, le plafond de la chapelle Sixtine ou devant Guernica, à un moment où un autre la question du faire se pose à nous. Mais comment ont-ils fait ? En combien de temps ?... A toutes ces questions nous n’avons que des réponses incomplètes obtenues grâce à des témoignages plus ou moins directs. Pour nous aider à approcher ce mystère, le cinéaste Henri-Georges Clouzot (Quai des Orfèvres 1947, Le Salaire de la peur 1953, La Vérité 1960) filme pendant trois mois Picasso en train de peindre. C’est l’unique tentative de rendre compte cinématographiquement du processus de création de Picasso. Les quelques scènes où on le voit parler à Clouzot entre deux peintures sont tout aussi extraordinaires. Ultime coup de maître : les tableaux ont été détruits, ils n’existent plus que dans le film ! Du coup, celui-ci a été déclaré trésor national par le gouvernement français…

Comme Warhol, Cocteau est un artiste qui s’est illustré dans plusieurs domaines, comme romancier, dramaturge, cinéaste, qui aura lui aussi été un des phares de cette aristocratie mêlant vraies têtes couronnées, richissimes industriels, artistes confirmés ou en devenir, créateurs de mode… Mais Cocteau est aussi un illustrateur de génie, un portraitiste à la ligne dépouillée d’une grande finesse avec laquelle il aura représenté Coco Chanel, Paul Eluard, Christian Bérard, Colette, Jean Marais… La liste est longue et le trait élégant.