Van Gogh, Cézanne, Matisse, Bonnard ou Gauguin... Dès la fin du XIXème siècle, les peintres se pressent pour rejoindre le Midi à la recherche de sensations et d’idées nouvelles. Ils y installent leur atelier; ils y découvrent des paysages à peindre, puis ils se rencontrent. En parallèle à l'exposition, le documentaire De Cézanne à Bonnard, l’Atelier du Midi propose de déambuler parmi les œuvres nées face à la Méditerranée. À travers des archives personnelles, il met en scène un dialogue constant entre les peintres de la fin du XIXème siècle et de la première moitié du XXème siècle, qui n’ont cessé d'échanger des lettres ...

En 1925, Francis Picabia quitte l’effervescence parisienne et gagne le Sud où il va rester vingt ans, entre les collines de Mougins et Cannes, pour donner libre cours à sa pulsion d’écriture plastique et littéraire malgré son goût immodéré pour les casinos et les fréquentes réceptions qu’il organise sur son yacht (amarré en face du casino !). Il y peint notamment la série des Monstres, puis des Transparences, ses abondantes créations révélant une autre dimension du paysage – tantôt sombre, tantôt solaire : « J'ai travaillé des mois et des années en me servant de la nature, en la copiant, la transposant. Maintenant, c’est MA nature que je copie, que je tâche d’exprimer. »

Bonnard découvre le Midi en 1904 et y fait de nombreux séjours avant de s’y installer définitivement en 1926. Dans sa villa Le Bosquet, au Cannet, il s’emploie à simplifier la forme, à exalter le lyrisme incandescent des couleurs dans d’infinies variations de chaque teinte. Il peint sans relâche nus, intérieurs, scènes de rue, paysages, qu’il réinterprète jusqu’à ce que la matière envahisse la toile, noie les contours, pour finir par rendre le sentiment intelligible...

Tiraillé entre sa quête de lumière et de profondeur et les tourments de l’incertitude, Nicolas de Staël décide à l’automne 1954 de s’installer dans le Midi, sur les remparts d’Antibes, où il s’isole dans un atelier ouvert sur la mer. Il y travaille avec frénésie, réalisant plus de trois cents toiles en quelques mois. Sa peinture se fait moins épaisse, plus fluide, vibrante de lumière et de couleurs : paysages, série de barques, natures mortes… Derrière les choses, se fait entendre une autre figuration, plus abstraite, une vision vécue comme une expérience libératrice de sentiments. Toujours au bord de l’abîme, Nicolas de Staël se tue le 14 mars 1955, en se jetant par la fenêtre de son atelier.

« Je pense que l'avenir d'une peinture moderne se trouve dans le Sud », écrit Vincent Van Gogh à son frère Théo, avant de filer pour Arles en février 1888. Une région « d’une vibrante sérénité » où il peint le printemps provençal et le retour de l’été sous un soleil obsédant, mais aussi sa propre chambre dans le but de partager ce qu’il ressent : « Au lieu de chercher à rendre exactement ce que j'ai sous les yeux, je me sers de la couleur de manière arbitraire, pour exprimer fortement mes impressions. » La Chambre d’Arles, le passionnant documentaire d’Arte (récompensé du Prix du meilleur documentaire au festival de Cannes 1994), mène l’enquête sur cette toile que le peintre aimait tant et dont il livra trois versions pour, écrivait-il, « exprimer un repos absolu »...

La Méditerranée est pour Cocteau une obsédante et généreuse source d’inspiration. L’Italie et sa commedia dell’arte, l’Espagne et sa tauromachie, la Grèce et sa mythologie et, bien sûr, la Provence, où il séjourne de 1950 à 1963, sont pour lui une seule et même « patrie » qui l’incite au lyrisme et à l’introduction graduelle de larges surfaces colorées dans ses œuvres. Le « Prince frivole » est en réalité un faux dilettante qui écrit, dessine, peint, « tatoue » les murs des villas et des chapelles, s’adonne à la céramique, à la tapisserie, aux bijoux, aux émeraudes... Il y écrira aussi son dernier film, le tragique et solaire Testament d’Orphée où figurent notamment Yul Brynner, Jean Marais, Pablo Picasso...

Amené à fuir Florence, la famille Pétrarque se réfugie en Provence où le poète ne cessera de revenir tout au long de sa vie; il fait ses humanités à Montpellier et à Carpentras, vit longtemps en Avignon avant de se retirer dans la solitude et la fraîcheur de la lumineuse Fontaine du Vaucluse où écrit-il : « Les muses, revenues de l'exil, habitent avec moi dans cet asile chéri. » Il y signe son immortel Canzoniere (1470), plus de trois cents poèmes, pour la plupart des sonnets, tout entiers dédiés à l’amour idéalisé du poète pour Laure de Noves.

S’il peint Les Demoiselles d’Avignon en 1907, Picasso ne s’installe dans le Sud de la France que dans les années quarante. Une période d’intense créativité marquée par son séjour à Vallauris, où il crée un atelier de céramique. Sur place, il peint aussi plus de quatre mille pièces s’inspirant de la corrida, de l’art africain ou des vases grecs. En 1955, le cinéaste Henri-Georges Clouzot réalise Le Mystère Picasso, où il filme pendant trois mois l’artiste en train de peindre. C’est l’unique tentative de rendre compte cinématographiquement du processus de création de Picasso. « Le plus beau film de suspense jamais réalisé », selon un critique d’art de l’époque... Vidéo à voir

Paul Cézanne et Maurice Merleau-Ponty Natif d’Aix-en-Provence ayant rejoint Paris puis Auvers-sur-Oise, Cézanne regagne le Var en 1882 et se dédie essentiellement à la peinture des paysages qui l’inspirent : l’Estaque, Gardanne, Bellevue et, bien sûr, le fameux cycle de quatre-vingts peintures consacrées à la montagne Sainte-Victoire, dans la garrigue du pays d’Aix. Il se détache alors de la peinture impressionniste de la nature pour approfondir sa recherche et privilégier une abstraction géométrique faite de motifs, de lignes, de sensations colorées. Une quête d’« une harmonie parallèle à la nature » qui influencera tout l’art moderne.

En 1905, Matisse et Derain découvrent le petit port catalan de Collioure. Dans le courant de l'été, ils y réalisent une centaine d'œuvres éclatantes – essentiellement des paysages gorgés de couleurs violentes, pures et vives et inondés de lumière. Une libération esthétique marquée par un refus de l’évocation réaliste de la nature, qui tranche alors avec la douceur de la palette impressionniste... Au Salon d’Automne de Paris où ils présentent leurs toiles la même année, un critique d’art compare l’exposition à une « cage aux fauves ». L'appellation de « fauve » est aussitôt revendiquée par les peintres eux-mêmes. Le fauvisme est né...

Lors d’un voyage à Cassis, la lumière, les couleurs et le décor méditerranéen éveillent en Virginia Woolf des sensations qui la conduisent à écrire son livre le plus expérimental. Poème en prose entrecroisant six monologues de personnages relatant leur vie de l’enfance à la vieillesse, Les Vagues est un voyage intérieur où la contemplation de la nature, le chant de la mer, la course du Soleil de l’aube jusqu’au soir épousent l’exploration du flux de la conscience, la perception de la vie qui s’écoule. Un sommet poétique traduit en français par Marguerite Yourcenar.

En 2003, Lionel Belmondo, saxophoniste et directeur musical, et son frère Stéphane, trompettiste, s’attaquent au répertoire classique français des XIXème et XXème siècles, avec des pièces signées des compositeurs Lili Boulanger, Maurice Duruflé, Gabriel Fauré et Maurice Ravel. Avec Hymne au Soleil, les frères Belmondo explorent librement les passerelles et les jeux d’influences existant entre le jazz modal et la musique classique. Un album radieux et solaire, récompensé par les Victoires du Jazz en 2004.

Quoique l’espace maritime « ne baigne pas précisément les coteaux bourguignons » où Debussy écrit le triptyque de La Mer en 1905, le compositeur nourrit une passion vivace pour l’élément aquatique. Une attraction dont les origines remontent à l’enfance, lorsqu’il passait ses vacances d’été chez sa tante à Cannes. « Il avait brusquement entendu et compris le langage grisant des sirènes de la Méditerranée », écrit le musicographe Émile Vuillermoz dans sa biographie consacrée au compositeur… Une Méditerranée que l’on imagine au fil des trois esquisses symphoniques – des paysages sonores à la teneur éminemment impressionniste « chantés avec la candeur naïve de l’enfant » par le compositeur des Poissons d’or...

Fasciné par le bleu azuréen de sa Méditerranée natale (il est né à Nice), puis par le bleu des fresques de Giotto, qu’il découvre dans l’église de l’Arena à Padoue, Yves Klein met au point, en 1956, l’International Klein Blue (IKG), un bleu intense dont il peint tout ce qui l’entoure et avec lequel il exécute une abondante série d’œuvres monochromes (toiles, arbre-éponge, mappemondes, « portraits-reliefs »…) : « Toutes les couleurs amènent des associations d'idées concrètes, expliquait Klein, tandis que le bleu rappelle tout au plus la mer et le ciel, ce qu'il y a après tout de plus abstrait dans la nature tangible et visible. »

Enfant de Banyuls-sur-Mer, Aristide Maillol se consacre d’abord à la peinture et à la tapisserie, mais au cours d’un voyage en Italie et en Grèce, il découvre l’art statuaire antique et se jette à corps perdu dans la sculpture – un art qu’il révolutionnera, après Rodin, en épurant et en simplifiant toujours plus les formes. C’est avec La Femme, rebaptisée plus tard La Méditerranée, que Maillol se fait connaître au Salon d’automne de Paris en 1905, une sculpture d’une architecture parfaite et libérée de tout contenu littéraire, mythique ou religieux. « Elle est belle, elle ne signifie rien, c'est une œuvre silencieuse », écrira André Gide à propos de La Méditerranée.